Il Teatro della Memoria
A selection for 16 young players of historical instruments in Naples
Next September the Centro di Musica Antica Pietà de’ Turchini in Naples and at the Conservatories of Messina, Foggia and Milano will audition young players who will be selected for a course, with the aim of forming a youth orchestral ensemble with historical instruments. Candidates must perform a free 15 minutes program.
Organized in collaboration with the Conservatories of Messina, Foggia and Lecce, the course will start in October 2012. In order to obtain for scholarships, candidates must apply before August 31st in accordance with the regulations that will soon be available on Centro Pietà dei Turchini’ website and at the conservatories.
Contact:
Centro di Musica Antica Pietà de’ Turchini
Via Santa Caterina da Siena, 38 – 80132 – Napoli
Phone: +39 081 402395
e-mail: info@turchini.it
webpage: www.turchini.it
Selezioni per 16 giovani strumentisti al Centro di Musica Antica Pietà de’ Turchini
Il prossimo settembre presso il Centro di Musica Antica Pietà de’ Turchini di Napoli e presso i Conservatori di Messina, Foggia e Milano si svolgeranno le selezioni dei giovani strumentisti che parteciperanno al corso finalizzato alla formazione di un ensemble orchestrale con strumenti antichi. La prova di ammissione consisterà nell’esecuzione di un programma libero della durata di 15 minuti.
Realizzato in collaborazione con i Conservatori di Messina, Foggia e Lecce, il corso si svolgerà a partire dal mese di ottobre 2012. Sono previste borse di studio per i partecipanti. Le domande – redatte in conformità al bando dettagliato che sarà disponibile a breve presso il Centro Pietà dei Turchini e i conservatori organizzatori – vanno presentate entro il 31 agosto 2012.
Per informazioni:
Centro di Musica Antica Pietà de’ Turchini
Via Santa Caterina da Siena, 38 – 80132 – Napoli
Telefono +39 081 402395
e-mail: info@turchini.it
Vivo successo per lo spettacolo dedicato a Cristina di Belgioioso
Da sempre luogo di storia e memoria, il Teatro Comunale di San Giovanni in Persiceto ha ospitato un omaggio a una protagonista del Risorgimento. Col titolo Nel salotto di Cristina di Belgioioso è andato in scena venerdì 4 maggio un racconto in flashback del periodo risorgimentale dedicato a colei che fu definita «primadonna d’Italia».
Cristina di Belgioioso fu una delle principali protagoniste del Risorgimento Italiano: donna dai mille volti, scrittrice, combattente e patriota insofferente all’oppressione straniera. Ricca, colta e stravagante, assolutamente all’avanguardia per i suoi tempi, fu donna di “una bellezza assetata di verità” come la definì l’amico e poeta tedesco Heinrich Heine. Sostenne anche finanziariamente i moti rivoluzionari di Milano e a Roma, chiamata da Giuseppe Mazzini, organizzò e coordinò gli ospedali da campo e l’assistenza medica ai combattenti. Pochi sanno che Goffredo Mameli spirò a Roma fra le braccia della nobile milanese accorsa nella città a sostenere la causa della Repubblica Romana del 1849.
La vita avventurosa della Principessa di Belgioioso è stata ripercorsa attraverso inni patriottici e musiche di celebri autori quali Rossini, Verdi, Bellini, Liszt e Schumann eseguite da Sonia Dorigo (soprano), Maurizio Leoni (baritono), Morena Malaguti (pianoforte) e inframmezzate da brani letti da Claudia Celi. Il pubblico, accorso numeroso ha calorosamente partecipato alla serata unendosi al coro nell’Inno di Mameli e tributando ripetuti applausi agli artisti.
The Charge of the Galloping Bersaglieras
The Risorgimento in ballet – Episodes between chronicle and legend from the world of the dance – 8th instalment
With this last post the series closes on the Liberation of Venice and Rome
After the Second War of Independence (1859) Italy wasn’t yet politically unified as a whole: Venice was part of the Austrian Empire and Rome and Latium were still under Papal rule. In those years dance theatre contributed to the cause of unity also by associating with the bold image of the Bersaglieri. This elite military corps, founded by the King Carlo Alberto in 1836 and initially led by Alessandro La Marmora, during the campaigns of 1859-1860 distinguished itself in several battles. It thus entered the popular imagination – along with such figures as Garibaldi and King Vittorio Emanuele II – and was ready to appear in Italian theatres.
An example is the already mentioned ballet Il ritorno del volontario bersagliere dalla battaglia di Magenta (The Return of the volunteer bersagliere from the Battle of Magenta) staged by an unknown choreographer in Bologna at the Teatro Nosadella during the carnival season 1860, but onstage the most famous bersaglieri – indeed bersaglieras – were those that appeared in Flik e Flok by Paul Taglioni with music by Peter Ludwig Hertel (given in Milan at La Scala during the carnival season 1862), a ballet destined to become one of the most performed throughout Italy during the second part of the 19th century.
A reproduction of a ballet first given in Berlin in 1858, it featured an underwater scene culminating in the Ballabile dei Fiumi. The rivers named in the original Berlin production were the Spree, the Neva, the Thames, the Seine and the Danube; significantly in Milan this last river was replaced by the Laguna Veneta, a number that closed with the entry of a troop of girls dressed as gallant bersaglieri, to the sound of the fanfare and in front of a backdrop representing Venice.
Only in 1866 Venice was to be liberated from the Austrian yoke; Rome was taken after the breach at Porta Pia in 1870, and shortly after that event the Galop delle Bersagliere was staged with enormous success at the Teatro Argentina. The musical theme it is set to, known popularly as Flik e Flok, still accompanies the joyful high-stepping gait of the corps on parade.
Anyone wishing to know the history of this ballet and its music in particular can read the paper by Claudia Celi and Andrea Toschi Alla ricerca dell’anello mancante: “Flik e Flok” e l’Unità d’Italia (In search of the missing link: “Flik and Flok” and the Unification of Italy), “Chorégraphie,” I, 2, autumn 1993, pp. 59-72. (R.Z.)
DoSaDo: altre foto
Qualche altra immagine dell’evento del 22 aprile scorso a Testaccio / More photos of the April 22nd event at Testaccio
Sono disponibili altre foto personali di singoli partecipanti. Se volete vedere le vostre mettetevi in contatto con noi scrivendoci a questo indirizzo: info@teatrodellamemoria.org
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La Estrella de dos mundos: Marietta Baderna
Otra gran estrella italiana del baile romántico implicada personalmente en los movimientos del Risorgimento fue Marietta Baderna. Hija de un republicano convencido, discipula predilecta de Carlo Blasis, se encontraba en Trieste cuando estalló la revolución de 1848 a la que se unió con entusiasmo. Tras el regreso de los austriacos se vio obligada a abandonar Italia junto al padre y se embarcó rumbo a Brasil.
Incluso aquí pero encontró la manera de expresar su anhelo de libertad atreviéndose a llevar a la escena, en un país que intentaba parecerse al mundo europeo y eliminar las realidades indígenas, los bailes típicos de los negros: el lundum, el fado, el baiano, considerados por los blancos licenciosos y por lo tanto subversivos.
Il Lundum – grabado por Johann Moritz Rugendas
Su mismo nombre dará origen a la expresión Badernão, sinónimo de desorden y transgresión. Por este espíritu de rebelión Marietta Baderna es acercada a la figura de Giuseppe Garibaldi, Héroe de dos mundos, porque como él luchó –aunque de manera diferente- tanto en Europa como en América del Sur en nombre de la dignidad y la libertad de los pueblos y de los individuos.
Los que quieran profundizar en este aspecto tan inusual en el mundo de la danza del siglo XIX pueden leer el libro de Silverio Corvisieri, Badernão : la ballerina dei due mondi (Roma, Odradek, 1998) (R.Z. traduccion en castellano para Riccardo Celi ).
Humor Bizzarro 2012: programas, reglamento y cuotas
Taracea de música y danza antigua.
Cursos, conciertos y talleres
organizados por la Asociación
Il Teatro della Memoria
XI edición – Roma, 1-8 de Agosto de 2012
Dirección artística: Claudia Celi y Andrea Toschi
Lo Sacro y Lo Profano son los dos polos entre los cuales se moverá L’Humor Bizzarro 2012. Una edición llena de ideas que pasan por varios siglos y que contribuirán al espectáculo final, este año también fruto de la interacción entre los cursos de canto, danza, instrumento y teatro, acorde con una práctica que ve juntos los alumnos, los docentes y los artistas invitados, presentar al público el trabajo de una intensa semana de estudio.
Programas
Los curricula de los docentes están disponibles en la página web: www.teatrodellamemoria.org/curricula.htm
Canto e Instrumento
Para todos los que están apuntados a los cursos de canto e instrumento se prevé la participación gratuita al Taller de Conjunto Musical y al Seminario de Qi Gong.
Arpa renacentista y barroca – docente Marina Bonetti (del 4 al 7 de Agosto)
El curso está dirigido a los arpistas de todo nivel que deseen acercarse o profundizar en los aspectos técnicos e interpretativos del repertorio del arpa renacentista y barroca y del bajo continuo. El curso se desarrollará sobre el arpa celta, el arpa renacentista (de dos órdenes de cuerdas) y el arpa barroca (de tres órdenes de cuerdas), según los intereses y las posibilidades de cada participante. El recorrido didáctico (distinto conforme al nivel de cada participante al curso) prevé una serie de clases de grupo e individuales. Se admitirán también al curso estudiantes de arpa con pedales que deseen profundizar en el repertorio antiguo con su propio instrumento y alumnos principiantes de arpa celta, a los cuales se explicará un método muy eficaz para el estudio y la memorización de composiciones medievales y renacentistas. Estarán a disposición instrumentos para el estudio individual; se invita cada participante a llevar consigo su propio instrumento para las ejercitaciones de grupo.
Canto renacentista y barroco – docente Angela Bucci
El curso está dirigido a cantantes y estudiantes de canto que deseen profundizar en los aspectos técnicos e interpretativos relativos al repertorio renacentista y barroco y prevé clases individuales y de grupo. Una parte del curso tendrá un carácter monográfico sobre las arias sacras extraídas de oratorios y misas de: J.S. Bach, G.F. Haendel, A.Vivaldi, A. y D. Scarlatti. Se pueden traer otras composiciones sacadas del repertorio sacro (también de otros autores) o de la lista de obras recomendadas que se presentará a continuación. Sin embargo los alumnos pueden acordar con la docente piezas propuestas por ellos mismos.
Clavecín – docente Christopher Stembridge (del 4 al 7 de Agosto)
El curso está dirigido a teclistas de cada nivel e incluye una parte monográfica dedicada a Frescobaldi y a la música italiana de la primera mitad del siglo XVII.
Flauta dulce – docente Marco Rosa Salva
El curso de flauta dulce está abierto a alumnos de cada nivel. El argumento específico del curso será la música solista y para consort de flautas entre los siglos XVI y XVII (la clase tendrá a disposición un número limitado de flautas dulces graves: tenor, bajo, gran bajo). Se dará particular atención a la práctica de las disminuciones así como están ejemplificadas en los tratados de Girolamo dalla Casa (Il vero modo di diminuir, 1584) y de Giovanni Bassano (Ricercari, passaggi e cadenzie, 1585). Sin embargo los alumnos podrán proponer piezas de libre elección para sus clases individuales, aún que no sean pertinentes al argumento principal del curso.
Laúd renacentista y Guitarra barroca – docente Federico Marincola
El curso está abierto a los principiantes y a los alumnos más avanzados. Se discutirán y profundizarán los aspectos técnicos e interpretativos del repertorio de laúd renacentista y de la guitarra barroca. Se admiten también los estudiantes de guitarra clásica que desean ahondar con su instrumento en el repertorio antiguo.
Oboe barroco – docente Angela Paletta
El curso está abierto a aficionados y profesionales que quieran acercarse al repertorio barroco y clásico, con el instrumento moderno o con el de la época. El programa se centrará en las problemáticas ejecutivas e interpretativas e en la técnica de construcción de las lengüetas. Las clases, individuales y de grupo, apuntan al estudio del repertorio solista y de cámara del periodo, tanto en el repertorio sacro como en lo profano en eventuales colaboraciones con las clases de canto y danza, además de la de teatro. Será posible acordar un repertorio solista bajo propuesta de los alumnos. Algunos instrumentos para el estudio estarán a disposición de los estudiantes que no tuvieran ninguno; sin embargo se recomienda, posiblemente, de llevar su propio instrumento.
Percusiones – docente Ninad Massimo Carrano
Técnicas y estilos ejecutivos de los tambores de marco y de las percusiones de la cuenca del Mediterráneo y del Oriente Medio (pandereta italiana, riq, técnica azerí sobre bodhrán). El curso se dirige a alumnos de todos los niveles. La clase estará provista de un número limitado de instrumentos, así que se recomienda a los alumnos de llevar los propios.
Taller de Conjunto musical (gratuito para los inscritos a los cursos de canto e instrumento)
También este año el taller verá los estudiantes de las diversas clases interesados en un trabajo común finalizado a la realización del ensayo-espectáculo. Se concertarán entonces unas composiciones vocales y/o instrumentales sacadas de la opera de J. H. Kapsberger. Los estudiantes serán agrupados en conjuntos diversos según el nivel técnico y las capacidades de lectura de cada uno.
Acompañador al Espineta – Paolo Tagliapietra
Danza y TeatroPara todos los inscritos a los cursos de danza y teatro se prevé la participación gratuita al Seminario di Qi Gong.
Danzas de corte de los siglos XVI y XVII – docente Claudia Celi
El curso teórico-práctico está abierto a los alumnos de todos los niveles y está coordinado con el trabajo de las clases de instrumento y de conjunto musical con el fin de realizar el ensayo-espectáculo. El estudio de la técnica y de las coreografías objetos del curso tendrá como trait d’union las alegorías astrales evocadas por los títulos de las danzas italianas, reflejo de la cultura humanista y renacentista.
Contradanzas europeas del siglo XVIII – docente Ilaria Sainato
El curso está dirigido a los estudiantes de todos los niveles y está coordinado con el trabajo de las clases de instrumentos y de conjunto musical con el fin de realizar el ensayo-espectáculo. Las clases teórico-prácticas prevén precalentamiento, estudio de la técnica coréutica basilar y de las coreografías, además de una parte dedicada a las cuestiones que tienen a que ver con las fuentes, la notación y la tratadística coréutica, repertorio coreográfico, conexión e integración música-danza con referencias a las problemáticas relacionadas a la ejecución de la música para danza. A lo largo del curso se examinarán coreografías sacadas de los tratados de John Essex, Landrin, De la Cuisse y Gennaro Magri.
Danzas de sociedad del siglo XIX – docente Paolo di Segni
El curso, abierto a los alumnos de todos los niveles, y coordinado con el trabajo del Seminario de Teatro con el fin de realizar el ensayo-espectáculo, prevé el estudio de la técnica y de los pasos básicos de la danza del siglo XIX (polca, vals, mazurca) y el aprendizaje del Destiny Waltz y del Two step.
Seminario de Teatro “Poesie in movimento” – docente Lorenzo Pasquali
Un trabajo concebido como alejamiento de lo cotidiano a través de ejercicios de respiración, movimiento y voz para obtener una progresiva adquisición de la presencia escénica y de una nueva y más consciente gestión de sí. Desarrollar la comunicación y la receptividad, valorizando el principio de lo coral y del conjunto a través de la sensibilización al ritmo, a la música y a los equilibrios dinámicos de los espacios escénicos. La palabra y el sonido nacerán entonces a partir del movimiento y se integrarán a él. El texto seguirá una sonoridad armónica, escandida en elemento y movimiento. Punto de partida será la aplicación de una rítmica respiratoria que implica los diversos sentimientos del texto, a través de la interpretación de fragmentos, monólogos, textos poéticos. Cuentos y poemas, que van del siglo XIX a hoy: de Neruda a Pessoa, de Brentano a Hikmet, de Pavese a Baricco; la riqueza de los textos y de las inspiraciones que nacen de ellos serán a la base del trabajo final que se presentará al público. Clase tipo: presencia escénica-respiración y uso de la voz- intención y subtexto- el monólogo y el texto coral- ritmo, timbre, volumen-creación de composiciones y secuencias teatrales.
Seminario de Qi Gong/Arte de la respiración- docente: Angela Paletta
El seminario es gratuito para todos los que participan a los cursos. Para más informaciones sobre esta disciplina lee aquí
Reglamento
los participantes están asegurados contra accidentes durante las lecciones y los ensayos hasta un límite máximo de 50.000 €.
Las plazas para los cursos son limitadas:
- clases de canto o instrumento- máximo 10 inscritos
- clase de clavecín - máximo 6 inscritos
- clases de danza– máximo 10 inscritos
- seminario de teatro máximo 16 inscritos.
Los inscritos serán admitidos según el orden de llegada de las fichas de inscripción; cualquier persona no admitida será informada y, si no quiere inscribirse en otro curso, se le devolverá el adelanto. Antes de la inscripción un importe igual a la suma de la entrada de cuota de admisión más el 50% del precio de los cursos elegidos tendrá que ser pagado por transferencia bancaria a la cuenta 10114.65 de Monte dei Paschi di Siena fil. 8686 (IBAN: IT 72 S 01030 03293 000001011465 – BIC: PASCITM1C06), titular: Il Teatro della Memoria; o por giro postal a: Il Teatro della Memoria – via Gradoli, 56 – 00189 Roma. En caso de cancelación por cualquier motivo comunicada a la dirección después del 30 de junio el adelanto no será devuelto. En caso de cancelación notificada antes del 30 de junio, será devuelto un importe igual al adelanto menos 50,00 €.
La ficha de inscripción, acompañada de una copia del recibo de pago del adelanto, deberá llegar dentro del 30 de junio de 2012:
- por correo,a :Il Teatro della Memoria – via Gradoli, 56 – 00189 Roma
- por fax número 0039 06 33267447
- por correo electrónico a: info@teatrodellamemoria.org
El saldo tendrá que ser pagado antes del inicio de los cursos. La Dirección se reserva el derecho de modificar el programa. No se activarán los cursos que no alcancen el número mínimo de inscripciones; en este caso, la dirección avisará a tiempo los inscritos y, si ellos no desean inscribirse en otro curso, les devolverá totalmente el adelanto. La recepción de los iscritos tendrá lugar el 1 de agosto de las 16 a hasta las 19 en la sede de los cursos en Piazza Giustiniani 4/a.
Cuotas
Inscripción y seguro:
- con pago del adelanto dentro del 28/06/12 € 60,00
- con el pago del adelanto después del 28/06/12 €120,00
Precio de los cursos:
Cursos principales
- Curso de Arpa (del 4 al 7 de agosto: incluye el taller de Conjunto musical): €210,00
- Curso de Clavecín (del 4 al 7 de agosto): €250,00
- Cursos de otros instrumentos o de Canto (incluye el taller de Conjunto musical): €270,00
- Curso de Danza (duración 10 horas y media): €130,00
- Taller de Teatro (duración 24 horas): € 180,00
Cursos complementarios
- seis clases individuales de 30 minutos de Canto o Instrumento: € 180,00
- Taller de Conjunto musical (para aquellos que no están inscritos en los cursos de canto o instrumento): 80,00 €
Descuentos 2012
Para los inscritos en escuelas y asociaciones asociadas y para los que se apuntarán a más de un curso habrá un descuento especial de € 50,00.
Sede de los cursos y alojamiento
Los cursos serán realizados en la Scuola Popolare di Musica di Testaccio en Piazza Giustiniani 4/a. Los alumnos podrán alojar con tarifas especiales en las estructuras asociadas al Teatro de la Memoria. La lista de las estructuras participantes será enviada por correo electrónico o por correo prioritario para todos los interesados.
A las raíces de un viaje iniciático
Giovanna Natalini empieza con este artículo una nueva rúbrica dedicada a la selección y presentación de ediciones discográficas
The Gurdjieff Folk Instruments Ensemble – Music of Georges I. Gurdjieff – ECM 2236 (Julio 2011)
Cogemos el CD y tenemos un primer problema: ¿como colocarlo en nuestras categorías mentales de músicas?
La música de Gurdjieff es un objeto de difícil catalogación dentro de la historia de la música erudita occidental. Por su nacimiento se sitúa en el marco de la música espiritual, de aquella música que es instrumento de crecimiento interior más que de exhibiciones de virtuosismo o de entretenimiento. Por otro lado el objeto sonoro recuerda más la música para piano de hace un siglo, como Satie o Scriabin o Prokofiev o Mompou. En fin, este CD en particular recuerda la World Music de los últimos decenios.
Otro problema: ¿quién era Gurdjieff?
También él es de difícil catalogación. Fue un investigador, un filósofo, un científico, un escritor, un maestro de vida o, más simplemente, un maestro de danza, como él mismo se definía? Nacido en Armenia en el siglo XIX, viajó mucho por los países de Oriente Próximo y de Asia Central para establecerse luego, en la primera mitad del siglo XX, en Occidente, en particular en Francia. Fue para muchos años un punto de referencia para muchas personas, entre las cuales algunas que han marcado la historia de la cultura occidental: escritores como Katherine Mansfield, Pamela Lyndon Travers (quizás mejor conocida como la autora de Mary Poppins) y Rene’ Daumal, músicos como Thomas De Hartmann y Pierre Schaeffer, el arquitecto Frank Lloyd Wright. Todavía a él se refieren personalidades muy diferentes como Peter Brook, Keith Jarret, Laurence Rosenthal, Franco Battiato.
Y luego: ¿porqué la música de Gurdjieff es especial?
La música es una experiencia de nuestros sentidos, de nuestras emociones, pero también de nuestro cuerpo y de nuestro intelecto. Sin embargo, en Occidente la práctica musical ha a menudo privilegiado sólo algunos aspectos, según la sensibilidad cultural de las distintas épocas históricas, olvidando la experiencia global. La música de Gurdjieff es un ejercicio, una “práctica” para recordar esta experiencia global a quien la ejecuta y a quien la escucha.
Y aún: ¿cuáles son las raíces de esta música
Nace de las experiencias recogidas por Gurdjieff en sus viajes a Oriente, de su deseo de Conocimiento. Deseo contado con gran poesia en su libro Encuentros con hombres notables. Al regresar se planteó poner a disposición del mundo occidental su experiencia, orientando grupos de personas en la búsqueda interior y en el desarrollo del Conocimiento. Elaboró ejercicios y prácticas, entre los cuales escuchar la música y los «movimientos», o sea las danzas sagradas. La particularidad de su enfoque es que no propuso los mismos ejercicios, la misma música como los había conocido en Oriente, sino que buscó su esencia más profunda, y la adaptó a la cultura de la época.
Era el principio del siglo XX; el mundo occidental no era como hoy: no había psicoanálisis, el Yo y el Superyó, los deseos reprimidos, no existía ningún conocimiento sobre el entrenamiento autógeno, el yoga, la meditación.Y también el enfoque científico era de otra “época”: Einstein estaba aún elaborando la teoría de la relatividad; la matemática, la física, la astrofísica, la biología describían un mundo distinto a aquel del Tercer Milenio.
La música de Gurdjieff es un gran ejemplo de como el autor abordó su colocación entre el mundo oriental y el occidental en esa época histórica. Es una música basada en la teoría modal, que dedica una gran atención a la elección de la escala, según la emoción que quiere transmitir, en el ostinado rítmico y la repetición siempre variada, rasgos típicos de la música oriental. Pero para realizarla, sin embargo, Gurdjieff utilizó los medios que el Occidente tenía a disposición en aquella época, es decir, el piano y la escritura en el pentagrama.
Fue ayudado por Thomas de Hartman, un pianista y compositor ruso de sólida tradición occidental, que había estudiado con Nikolai Rimsky-Korsakov, Anton Arensky y Sergei Taneyev y había frecuentado y colaborado en Munich con Rainer Maria Rilke y Wassily Kandinsky. De Hartmann era también un su discípulo, vivió durante muchos años siguiendo al maestro “entrando muy dentro del trabajo” por él propuesto. En la música, resultado de su encuentro, todo esto se manifiesta.
¿En que se diferencia este cd de aquellos publicados hasta hoy?
Este cd no sigue el recorrido de «puente» con Occidente de su autor, como todas las producciones actualmente en comercio, sino busca las raíces de ese trayecto en culturas encontradas por Gurdjieff en su viaje “iniciático”. Es un interesante intento de experimentar las verdaderas sonoridades de aquellas melodías, sin la “traducción” efectuada por los instrumentos occidentales (que «reparan” las escalas orientales según la entonación templada Occidental) y la escritura en el pentagrama (que tiende a “cuadrar” todos los ritmos según una pulsación regular). Por eso resulta un objeto sonoro muy distinto de todo lo que en este siglo se ha etiquetado como música de Gurdjieff, porque es el pre- Gurdjieff y puede ser una gran clave para entender Gurdjieff y abrir una nueva vía al post- Gurdjieff.
A proponerlo es el Gurdjieff Folk Instruments Ensemble dirigido por el armeno Levon Eskenian . Es un ensemble formada por ilustres ejecutores de instrumentos populares de antiguas orígenes: duduk, blul/nay, saz, tar, kiamancha, Oud, kanon, santur, dap/daf, tombak y dhol. El uso de estos instrumentos hace el timbre original, pudiendo apoyarse en el uso de microtonos y nuances rítmicas propias del lenguaje musical oriental, rasgos irreproducibles con los instrumentos occidentales. Para quien conoce la música de Gurdjieff en su versión “clásica” para piano, este cd es verdaderamente interesante, porque transmite muchos detalles que el piano no puede reproducir. Para quien se acerca por la primera vez a Gurdjieff representa un disco fascinante: no es la “habitual” world music, sino una experiencia de escucha. Y esto es muy coherente con el pensamiento y la enseñanza de Gurdjieff! (G. N. traduccion en castellano para Riccardo Celi)
The Gurdjieff Folk Instruments Ensemble Levon Eskenian: director , Emmanuel Hovhannisyan: duduk , Avag Margaryan: blul, Armen Ayvazyan: kamancha , Aram Nikoghosyan: oud , Meri Vardanyan: kanon, Vladimir Papikyan: santur, Davit Avagyan: tar, Mesrop Khalatyan: dap, dhol, Armen Yeganyan: saz, Reza Nesimi: tombak, Harutyun Chkolyan: duduk, Tigran Karapetyan: duduk, Artur Atoyan: duduk.
Para más informaciones sobre el grupo, vease: www.gurdjieffensemble.com
Algunos vídeo sobre músicas de Gurdjieff: Tribute to G.I. Gurdjeff G.I. Gurdjieff – movements in the monasteryAll the info about the summer workshop
Intarsi di musica e danza antica
Courses, concerts and workshops
Organized by: Il Teatro della Memoria
11th edition – Rome (Italy) August 1st – 8th, 2012
16th and 17th Century Court Dances: Claudia Celi
18th Century European Countrydances: Ilaria Sainato
19th Century Social Dances: Paolo Di Segni
Baroque Oboe: Angela Paletta
Harpsichord (august 4 to 7): Christopher Stembridge
Recorder: Marco Rosa Salva
Percussion: Ninad Massimo Carrano
Renaissance and Baroque Harp (august 4 to 7): Marina Bonetti
Renaissance and Baroque Singing: Angela Bucci
Renaissance Lute and Baroque Guitar: Federico Marincola
Theatre workshop: Lorenzo Pasquali
Ensemble Music workshop
Qi Gong Seminar
Full programs and curricula of teachers (in italian) are available here. Feel free to E-mail usfor specific information. The final students’ performance will see the participation of music, theatre and dance courses. Students that are already enrolled in one course may also attend six individual lessons of another course with a supplementary charge (see below).
Registration & insurance fee
- withadvance payment up to june 30th 60.00 euros
- withadvance payment after june 30th 120.00 euros
Tuition fees
The basic tuition fee for singing and instrument courses (except Harpsichord) covers individual lessons, collective lessons, the ensemble workshop and the Qi Gong Seminar.
Main courses:
- Harp (Agugust 4-7, inclusive of ensemble workshop):210.00 euros
- Harpsichord (Agugust 4-7):250.00 euros
- Other music courses (singingor instrument, inclusive of ensemble workshop):270.00 euros
- Dancing courses (10 ½ hours) 130.00euros
- Theatre course (24hours): 180.00 euros
Supplementary courses:
- Six individualsinging or instrument lessons (30minutes each): 180.00 euros
Special reduction
- Members of covenanted Schools and Societies and students enrolledto more than one course are entitled to a discount of 50.00 euros
The registration fee and 50% of all tuition fees must be paid in advance by bank transfer to the account 10114.65at Monte dei Paschi di Siena, branch 8686 (European IBAN bank code IT 72 S 01030 03293 000001011465 – BIC: PASCITM1C06), in the name of “Il Teatro della Memoria”, or by money order to: Il Teatro della Memoria – via Gradoli, 56 – 00189 Roma (Italy). For residents outside the Euro area, credit card payments are accepted through PayPal. Send us the registration form by e-mail and we’ll send you complete paying instructions. The advance payment shall not be refunded in case of cancellation after June 30th. If the cancellation arrives before June 30th a sum of 50.00 euros will be deducted. The registration form, together with a copy of the payment, must arrive before June 30th 2012:
- by mail to: Il Teatro della Memoria via Gradoli, 56 – 00189 Roma (Italy)
- by fax to the number (+39) 06-33267447
- by e-mail to: info@teatrodellamemoria.org
The balance must be paid before the beginning of the courses.
The maximum number of students for each course is thus determined:
- Harpsichordcourses: maximum 6
- singing or instrumentcourses: maximum 10 per course
- dancing courses: maximum 16 per course
- theatre course: maximum 18
Students will be enrolled according to the order of arrival of the registration forms. Those that cannot be admitted because the maximum has been reached will be promptly informed, and the amount paid will be refunded, unless they want to enroll in another course.
The Direction reserves the right to modify the programs. The courses for which the minimum number of registrations will not be reached will be cancelled, and the amount paid will be refunded.
The registration desk will be open on August 1st from 4 to 7 PM.
The courses will be hosted by the Scuola Popolare di Musica di Testaccio at Piazza Giustiniani 4/a (the ancient Testaccio slaughterhouse) in a central area well connected by subway (Metro B line – station Piramide), local train (station Roma Ostiense – for timetables see http://www.ferroviedellostato.it) tramway or bus (ATAC website: http://www.atac.roma.it).
Registered students are insured against accidents during lessons with a maximum cover of 50,000.00 euros. Check with your health insurance company and your national health system about coverage in Italian hospitals in case of illness. Most EU member states have arrangements that allow the citizens of one state to be admitted free of charge in the public hospitals of another. If you have any doubts, contact us and we’ll try to find information on the arrangements with your country and the documents you need. Emergency treatment (“Pronto Soccorso”) at public hospitals is subject to a fixed fee (“ticket”) of 25.00 euros for minor illnesses (white triage code). In serious cases don’t hesitate to call the emergency phone 118.
Special rates for our students are available at several hotels and Bed&Breakfast. E-mail usfor a list.
Contact info
via Gradoli, 56 – 00189 Roma – Italy
e-mail: info@teatrodellamemoria.org
phone/fax : (+39) 06 3326 7447
mobile:
- up to July 31 (+39) 328 364 5555
- August 1-8: (+39) 320 055 7319
Humor Bizzarro: news about the Harpsichord course
Following a suggestion by the Harpsichord teacher Antonella Moles, who next summer unfortunately will be unable to take part in the workshop, the course Intorno a Frescobaldi will be taught by Professor Christopher Stembridge.
Il Teatro della Memoria is grateful to Prof. Stembridge for accepting to participate to L’Humor Bizzarro 2012 and thanks Antonella for her contribution to the last editions of the summer workshop, at the same time wishing to be able to avail itself of her collaboration for future projects.
For all the other classes the accompanist at the harpsichord will be Paolo Tagliapietra.
General info (in English) about the workshop is available here
Programs and teachers’ curricula (in Italian) available on the webpage humor_bizzarro_2012.htm
Il sogno di Mirella
C’era una volta un’arpista e si chiamava Mirella.
Mirella era nata a Torino nel 1919 e si era diplomata in arpa a soli diciotto anni rivestendo subitamene il ruolo di seconda arpa nell’orchestra del Teatro Regio della sua città.
A vent’anni aveva accettato il contratto di prima arpa offertole dal Teatro Municipale di San Paolo del Brasile e dopo dieci anni di permanenza (gli anni della seconda guerra mondiale) era rientrata in Italia e si era stabilita a Milano dove aveva affiancato all’attività di docente in conservatorio quella concertistica.
In Brasile oltre al lavoro svolto in orchestra Mirella si era esibita in veste solistica nelle città di San Paolo e di Rio de Janeiro e aveva cominciato a svolgere le sue ricerche con l’intento di elaborare nuovi programmi da concerto.
In quegli anni di ricerche Mirella andava prendendo coscienza di quanto fosse importante riportare in luce i pezzi dimenticati dell’arpa per potersi riappropriare di una storia dimenticata.
Al rientro in Europa, proseguendo le sue ricerche, Mirella scoprì una gran quantità di bella musica d’arpa e focalizzò il suo obiettivo primario: sfatare ad ogni costo, attraverso la divulgazione delle sue scoperte, il luogo comune che l’arpa non ha repertorio.
“E’ un’assurdità” soleva dire in classe, “che ci sia ancora qualcuno che sostenga che l’arpa non ha repertorio perché, è palese che uno strumento con cinquemila anni di storia non può esserne privo!”
Così, con i mezzi disponibili a quel tempo, Mirella cominciò a spulciare nelle biblioteche italiane e straniere iniziando a riscoprire perle e capolavori sconosciuti e dimenticati.
Le sue ricerche la portarono poi a raccogliere migliaia d’informazioni intorno al tema della musica d’arpa e da quando non suonava più a causa di una malattia agli occhi che le aveva impedito di continuare a leggere la musica Mirella sfruttò quei materiali, raccolti in oltre cinquant’anni di attività, per intraprendere, a tempo pieno, un nuovo esercizio che la coinvolgeva totalmente, quello di redattrice e scrittrice di storia e musica d’arpa.
Consultando nella sua biblioteca le numerose schede contenenti diverse centinaia d’informazioni da lei compilate, Mirella elaborava testi e scriveva articoli in cui, con la semplicità appresa dai suoi scrittori preferiti, esprimeva i concetti e i temi che le stavano a cuore.
La maggior parte dei suoi scritti, dedicati agli arpisti e agli appassionati d’arpa, scaturiscono dall’idea, dal sogno e dalla speranza che si possa finalmente prendere coscienza che l’arpa ha un vasto repertorio.
Mirella insegnava, con insistenza, che è sufficiente “ascoltare” per accorgersi che la musica destinata all’arpa ha una sua propria connotazione e una sua ricchezza intrinseca che non si evidenzia nella maggior parte delle trascrizioni.
A questo proposito Mirella sosteneva che gli adattamenti di musica nata per altri strumenti o per soddisfare richieste “alla moda” non può essere paragonata al livello della musica dei grandi maestri dell’arpa e sosteneva l’importanza di studiare questi capolavori originali.
Mirella amava citare Schumann che nelle sue regole di vita musicale invitava a distinguere bene le composizioni: quelle che appartengono all’arte da quelle che hanno soltanto un fine di intrattenimento dilettantistico.
Le cattive composizioni, amava sottolineare Mirella sempre citando i dettami di Schumann, non vanno suonate affatto e neppure ascoltate, a meno che qualcuno non ci costringa farlo (!) e non vanno diffuse in alcun modo, anzi è necessario contribuire con tutte le nostre forze a tenerle fuori dalla circolazione.
Il sogno di Mirella era dunque che la musica d’arpa riemergesse dall’oblio della memoria e che i programmi da concerto sfavillassero, come in cielo le stelle, di pezzi d’arpa d’autentico valore e bellezza.
Mirella insisteva con forza sulla necessità di riappropriarci delle nostre tradizioni per distaccarci, con la nostra attività di suonatrici e suonatori d’arpa, dalla tendenza purtroppo diffusa di dimenticare chi siamo e da dove veniamo, credendo a quelle false notizie che ci danno l’impressione di essere informati sulle cose ma che, in realtà, contribuiscono al disegno perverso di tenerci all’oscuro da ciò che accade intorno a noi…
Mirella Vita (22 Febbraio 1919 – 12 Aprile 2012)
Chi volesse leggere il racconto di Mirella dal suo letto d’ospedale negli ultimi giorni di marzo 2012 può visitare il sito http://www.musicadarpa.it/
Humor Bizzarro: avviso per il corso di Clavicembalo
Su suggerimento della docente di Clavicembalo Antonella Moles, purtroppo impossibilitata quest’estate a partecipare al workshop, il corso Intorno a Frescobaldi sarà tenuto dal Prof. Christopher Stembridge.
Il Teatro della Memoria è grato al Prof. Stembridge per la generosa disponibilità a partecipare a i L’Humor Bizzarro 2012 e ringrazia Antonella per l’entusiastica adesione e il prezioso contributo alle ultime edizioni del workshop estivo, con l’augurio di potersi ancora avvalere della sua collaborazione per nuovi progetti.
Per tutte le altre classi l’accompagnatore al Cembalo sarà il M° Paolo Tagliapietra.
I programmi e i curricula dei docenti sono disponibili sulla pagina web humor_bizzarro_2012.htm
DoSaDo: prime foto
Il Teatro della Memoria ringrazia la Scuola Popolare di Musica di Testaccio e tutti quelli che sono venuti alla serata di danze americane dell’Ottocento: i musicisti, i maestri di ballo, gli animatori, la costumista, la fotografa e il pubblico che è accorso numeroso partecipando a tutte le danze.
Stay tuned: presto arrivano le altre foto!
Un connubio italo-olandese per Buxtehude
Nei giorni 3 e 4 marzo 2012 l’Ensemble “La Silva” diretto da Nanneke Schaap ha eseguito ad Abbiategrasso (Chiesa dell’ Annunciata) e a Milano (Chiesa di San Fedele) l’oratorio pasquale Membra Jesu Nostri di Dietrich Buxtehude. Il concerto è stato realizzato con il sostegno del Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi a Milano.
Ensemble La Silva
direzione: Nanneke Schaap
Soprani primi: Nienke Oostenrijk (solo), Beatrice Palumbo (solo), Anne Hodgkinson
Soprani secondi: Laila Cathleen Neuman (solo), Martine des Tombe, Renée Rosenboom
Contralti: Beniamino Borciani (solo), Sigurd van Lommel (solo), Klementien van Leeuwen
Tenori: Matthew Smith (solo), Rob van Dam
Bassi: Mitchell Sandler (solo), Kees Jongenelen, Luigi Marzola
Continuo: Alessia Travaglini (viola da gamba), Carlo Sgarro (violone), John Martling (archiliuto), Carlo Centemeri (organo)
Violini: Michel Oey, Marina Mammarella, Frans Boendermaker, Francesco Nitti
Viole da Gamba: Josephine Capanna, Maria Caruso, Giovanna Scarlato, Alessia Travaglini
Danzatrici: Anna Caminati, Sophia van der Putten, Sophie Vrolijk
Ecco il videoclip dallo spettacolo del 2 aprile
La compagnia La Paranza di Nando Citarella e Il Teatro della Memoria hanno presentato
Misteria VulcanorumIntrigo musicale tra barocco, classico e tradizione
per quattro musici e tre cantattori
Lunedì 2 aprile al Teatro Italia di Roma è andata in scena l’anteprima del nuovo spettacolo Misteria Vulcanorum - coprodotto dalla Compagnia La Paranza e da Il Teatro della Memoria. Nando Citarella (voce naturale, tenore, tammorra, duff, chitarra battente) era accompagnato dalla cantante Michela Latorre (voce naturale, soprano, castagnette), dall’attore Pino Calabrese (voce naturale,baritono, piatti, castagnette, tofa) e dall’Ensemble con strumenti classici de Il Teatro della Memoria con Federico Corrado (flauto, traccola), Federico Marincola (chitarra barocca, colascione, voce, traccola), Angela Paletta (oboe), Andrea Toschi (fagotto e direzione). Costumi a cura di Nathalie Leclerc, messa in scena di Pino Calabrese e Nando Citarella.
La Memoria sghemba 6
di Paolo Zagari
In questa rubrica si tratterà di cinema, letteratura, arte, danza, gastronomia e di tutto ciò che a un certo punto, sospinto dalla razionalità del caso, affiora nella memoria o misteriosamente in essa perdura.
Stiamo piacevolmente chiacchierando seduti a un tavolino col collega di lavoro. Quindici minuti di break, fondamentali per staccare e per ricaricarsi. Il caffè, la spremuta di arancia, il sole sui tetti, l’aria frizzante. Un quarto d’ora da godere letteralmente minuto per minuto. Però vediamo il nostro collega un po’ pensieroso e notiamo, non senza preoccupazione, che sta per aprire bocca. Non parlerà di calcio, dell’ultimo film, delle tette della barista, no ha in animo qualcos’altro, qualcosa che rischia di far svanire la magia del momento. “Sai che ho sognato ieri? non ci crederai, ora te lo racconto…”.
Ecco, è finito l’incanto. Non c’è niente di più devastante che sentirsi raccontare i sogni degli altri. Noiosi incomprensibili, probabilmente falsi, si basano su strutture che non possiamo capire (la vita interiore del narratore) e soprattutto non VOGLIAMO capire. Non c’è ne frega niente delle acrobazie del tuo inconscio. Desideriamo solo goderci il sole. Se vuoi raccontare un sogno, vai dallo psicanalista. E se vogliamo sentirne raccontare uno ce ne andiamo al cinema.
E’ l’inizio del Posto delle Fragole del 1957, regia di Ingmar Bergman. Siamo in Svezia. Strade deserte, case in rovina, orologi senza lancette, l’assurdità della vita, il fascino e la paura della morte, l’imperscrutabilità del Tempo. Le tematiche classiche bergmaniane riassunte in 4 minuti.
Passano 5 anni e un altro grande regista sogna.
Cambia la latitudine, cambia la grana onirica dell’autore. Fellini otto e mezzo 1962. Una madre che parla, un padre che ti rimbrotta anche dopo morto, il senso di colpa, un prete, te stesso, un bacio appassionato alla moglie che si trasforma in madre…
Una sequenza delicata, quasi accogliente, nella quale tutti ci possiamo ritrovare, ma per questo forse ancora più angosciante.
Ma non tutti i sogni necessariamente inquietano. Alcuni decisamente divertono
E’ una sequenza tratta dal Dittatore dello stato libero di Bananas di Woody Allen del 1971.
Ora il break è finito e bisogna tornare a lavorare. Non addormentatevi però sulla scrivania. Potreste avere un incubo…
Glosas
La diffusione dei dischi, e poi dei cd, ha mutato profondamente il nostro rapporto con la musica.
Tendiamo a pensare che un brano di musica sia sempre uguale, che ogni volta che riascoltiamo una esecuzione ne cogliamo aspetti diversi, ma che in fondo la musica sia un blocco che sta lì.
Un po’ come una statua di marmo. Ci giriamo intorno piano piano, ne cogliamo sempre più dettagli ma la statua è sempre quella.
Così ci affezioniamo ad una particolare esecuzione e le altre finiscono per essere un paragone con quella che conoscevamo, ci sembra che gli manchi qualcosa oppure che ci aprano orizzonti che la «nostra» non ci apriva.
Ci mettiamo davanti ad uno spartito e cerchiamo di eseguire quelle note scritte, con i tempi e le agogiche indicate, e pensiamo che tanto più siamo vicini alle indicazioni scritte, tanto più sia «giusta» l’esecuzione.
Insomma tendiamo a rendere rigida la musica, a pensare che il «giusto» sia la vicinanza alle indicazioni del compositore e che aggiungere o modificare qualcosa sia un’azione irriverente e quasi sacrilega.
Nei secoli passati la musica non è stata questo.
Non c’era un mezzo meccanico che la riproduceva, ogni volta era ri-eseguita e ogni volta doveva catturare l’attenzione del pubblico.
Le note scritte erano lì per ricordare più o meno l’andamento, ma poi su quello si improvvisava, si ornava, si arricchiva.
Vicente Parrilla con il suo ensemble More Hispano cerca di fare musica così, come si faceva diversi secoli fa.
Nel cd Glosas porta avanti un progetto molto interessante con l’idea dichiarata, mutuata dalla prassi rinascimentale, che ogni nota suonata, in una forma o nell’altra, sia propria di chi sta suonando, nel senso che sia improvvisata, composta o scelta tra diverse possibilità e non sia solo un eseguire delle note «scelte» da altri.
Secoli fa non c’era una gran differenza tra essere esecutore ed essere compositore. Le melodie rinascimentali erano, e anche in questo cd sono, una base sulla quale si ornava improvvisando al momento. In questa esperienza Parrilla non cerca di ornare, ovvero eseguire le glosas, attraverso lo studio dei trattati storici, ma entrando dentro il suono, dentro il fare musica, e lasciando sorgere spontaneamente l’ornamentazione. Non è un approccio solo intellettuale, da erudito, ma è nutrito anche dagli aspetti della fisicità e delle emozioni dell’interprete.
Un interprete che ha vissuto in questo repertorio con tale intensità e per tanto tempo da averlo fatto suo, da sentirlo quasi come una continuazione del suo corpo.
GLOSAS – Embellished Renaissance Music
Etichetta: Carpe Diem CD-16279
More Hispano
Vicente Parrilla – flauti dolci, direzione
Raquel Andueza – soprano
Fahmi Alqhai – viola da gamba
Rahmi Alquai – viola da gamba
Gerald Stempfel – flauto dolce
Johanna Rose – viola da gamba
Jesus Fernandez – liuto, tiorba
Miguel Rincón – tiorba, chitarra barocca
Javier Nunez – clavicembalo
Àlvaro Garrido – percussioni
L’Ensemble Gurdjieff in concerto
Roma e Venezia sono le città italiane che ospiteranno la tournée europea del Gurdjieff Folk Instruments Ensemble diretto da Levon Eskenian, un gruppo che, usando strumenti tradizionali, ha dato nuovo impulso a un repertorio unico: le musiche del filosofo, scrittore e mistico Georges I. Gurdjieff.
Le ricerca del gruppo è stata già raccontata su questo blog da Giovanna Natalini nel post Alle radici di un viaggio iniziatico, una recensione del loro CD Music of Georges I. Gurdjieff pubblicato nel 2011.
A Roma: domenica 22 aprile ore 20, Chiesa Armena – Salita di San Nicola da Tolentino, 17
A Venezia: martedì 24 aprile, ore 21, Basilica dei Frari
Info e prenotazioni: 347-8193916
Our Concert / Ball on April 22nd has been included in the 14th Culture Week
The concert series Musica & Musica, organized by the Scuola Popolare di Musica di Testaccio, features in its section Suoni Nel Tempo a program of dance music with the Orchestra da Ballo de Il Teatro della Memoria, an ensemble led by Andrea Toschi and specialized in the performance – supported by research on the original arrangements – of the typical Salon Orchestra repertory.
The concert – that will be held at the Testaccio Ex-Slaughterhouse on Sunday April 22nd within the 14th Culture Week promoted by the Italian Ministry for Cultural Goods and Activities - will present some of the compositions that obtained greatest popularity in U.S. ballrooms during the 19th Century, as attested by dance manuals and instrumental editions that survive in American libraries. The program features composers such as Arthur Sullivan, Scott Joplin and John Philipp Sousa besides other less known but likewise meaningful artists. The orchestra – a «variable geometry» ensemble ranging from four to twelve instruments – will appear in a basic formation with Fabio Consiglio (violin), Yvonne Fisher (clarinet), Paolo Tagliapietra (pianoforte) and Andrea Toschi (bassoon).
On this occasion a special musical afternoon will be offered: everybody in the house – including those without previous dance experience – will have an opportunity to join the dances and learn the steps under the guidance of Paolo di Segni and Claudia Celi.
April 22nd, 2012 – 7.00PM - Sala Concerti SPMT
Ex Mattatoio di Testaccio - Piazza Giustiniani 4a – Roma (Italy)
Special discounted ticket at Euro 8.00 for everyone
Info: tel. (+39) 328-3645555 – e-mail info@teatrodellamemoria.org
Complete program of the Culture Week: www.beniculturali.it
(Take care: the concert will start at 7.00PM and not at 6.00PM as stated in the PDF that hasn’t been updated by the Ministry)